William Basie (Red Bank, 21 de agosto de 1904 - Hollywood, 26 de abril de 1984), conocido como Count Basie, fue un director de big band y pianista estadounidense de jazz.
Se trata de uno de los músicos de jazz más populares de la historia, vinculado, prácticamente durante cincuenta años, a la dirección de una big band de importante influencia en determinados registros estilísticos del jazz asociados, principalmente, al swing y a su corriente más tradicional.
Hijo de padres músicos (su padre, Harvie Basie, tocaba el melófono y su madre, Lillian (Childs) Basie, era pianista), recibió de ella sus primeras lecciones, así como de los pianistas de stride de Harlem, especialmente de Fats Waller.
Su primer trabajo profesional consistió en acompañar a intérpretes de vodevil y en formar parte de un grupo musical que se formó en Kansas City en 1927. Tras trabajar también en una productora de películas mudas, se unió a los Walter Page's Blue Devils en julio de 1928. El vocalista del grupo era Jimmy Rushing.
Basie abandonó la banda a comienzos de 1929 para tocar con otras orquestas, entre las que estaba la liderada por Bennie Moten. Tras la muerte de este, en 1935, Basie trabajó durante un tiempo como solista antes de formar su propia orquesta inicialmente llamada Barons of Rhythm, a la que se incorporaron muchos antiguos miembros de la banda de Moten como Walter Page (bajo), Freddie Green (guitarra), Jo Jones (batería) y Lester Young (saxofón tenor). Jimmy Rushing se convirtió en el cantante. El conjunto consiguió establecerse en el Reno Club de Kansas City y empezó a darse a conocer a través de la radio.
El periodista y productor John Hammond, tras escucharles, les recomendó a varios agentes y compañías discográficas. Como resultado de ello, la orquesta se marchó de Kansas en 1936 y firmó un contrato con el Grand Terrace de Chicago, tras lo cual le siguieron conciertos en Buffalo y Roseland en Nueva York. Su primera grabación fue en Decca Records en enero de 1937. Regresó a Chicago y luego al Ritz Carlton Hotel en Boston. Su grabación de "One O'Clock Jump" se convirtió en su primer tema en las listas de éxitos en septiembre de 1937; más tarde, tras convertirse en su tema más popular, fue incorporado al Grammy Hall of Fame.
El regreso de Basie a Nueva York tuvo lugar en 1938 en el club the Famous Door, que constituyó todo un éxito para la orquesta. En el invierno de ese año, "Stop Beatin' Round the Mulberry Bush", cantado por Rushing, entró en el Top Ten de los éxitos.
A comienzos de 1939 estuvo en Chicago, tras cambiar de compañía discográfica (de Decca a Columbia Records), y luego se marchó a la Costa Oeste.
A comienzos de los cuarenta realizó extensas giras por el país, que duraron hasta la entrada de Estados Unidos en la Segunda guerra mundial en diciembre de 1941, a partir de la cual los movimientos se redujeron.
Durante su estancia en la costa oeste participó con su orquesta en cinco películas, todas ellas realizadas en 1943: Hit Parade of 1943, Reveille with Beverly, Stage Door Canteen, Top Man y Crazy House. Obtuvo también numerosos éxitos musicales tanto en el ámbito del pop como del rhythm and blues: "I Didn't Know About You", "Red Bank Blues", "Rusty Dusty Blues", "Jimmy's Blues" y "Blue Skies".
Tras cambiar otra vez de discográfica, a RCA Victor Records, en 1947 obtuvo varios éxitos con temas como "Free Eats", "I Ain't Mad at You (You Ain't Mad at Me)", "One O'Clock Boogie", "Open the Door, Richard!", etc.
A finales de los cuarenta deshizo su orquesta en un contexto de declive general para las big bands y se decidió durante un tiempo por grupos pequeños. En 1952, sin embargo, volvió a formar una big band con vistas a la realización de giras fuera del país: en 1954, el mismo año en que se le uniría el cantante Jimmy Williams (que estaría con él hasta 1960), tocó, por ejemplo, en Escandinavia.
Con Williams publica en 1955 uno de sus títulos más renombrados, Count Basie Swings - Joe Williams Sings (Clef Records), del que el tema "Every Day (I Have the Blues)" obtendría un formidable éxito alcanzando los más altos puestos en las listas y entrando en el Grammy Hall of Fame. Tuvo también un gran éxito en 1956 su versión instrumental de "April in Paris".
Entre finales de los años cincuenta y primeros sesenta consiguió diversos premios y nominaciones en los Grammy. En 1962, Basie firmó con la nueva compañía de Sinatra, Reprise Records, y grabó con él Sinatra-Basie que entró en la lista de los Top Five a comienzos de 1963.
Todos estos éxitos populares alejaron a Basie del jazz a lo largo de toda la década de los sesenta; sin embargo, a finales de la misma retomó el género con distintos discos con cantantes como Ella Fitzgerald (Ella and Basie!, 1963); otra vez Sinatra (It Might as Well Be Swing, 1964); Sammy Davis, Jr. (Our Shining Hour, 1965); the Mills Brothers (The Board of Directors, 1968); y Jackie Wilson (Manufacturers of Soul, 1968).
Desde comienzos de los setenta empezó a realizar giras fuera y dentro de su país y firmó con la compañía Pablo Records en la que estaría hasta el final de su vida y con la que grabaría una amplia variedad de discos que alcanzaron múltiples premios y nominaciones en los Grammy.
Hacia mediados de los años setenta su salud empezó a deteriorarse, tras sufrir un ataque al corazón en 1976. Murió debido a un cáncer
lunes, 5 de abril de 2010
Fletcher Henderson
Fletcher Henderson (Cuthberg (Georgia), 18 de diciembre de 1897 - New York, 28 de diciembre de 1952). Pianista y arreglista estadounidense, fue un músico clave para el desarrollo de la "big band" (gran orquesta). Henderson procedía de una familia acomodada: su madre era profesora de piano y le inició en el instrumento. Su padre y su hermano también eran músicos. Hasta 1920, su único interés musical era la música clásica.
Ese mismo año se traslada a New York para terminar sus estudios de química y una vez allí, conseguir trabajo como químico. Sin embargo, debido al hecho de ser de raza negra no consigue trabajo y comienza a trabajar como músico en un barco del río Hudson. Finalmente consigue un empleo en la editorial de música "Pace Handy Music Company" y acaba siendo el director musical de la compañía "Black Swan".
Realizó una gira con la cantante Ethel Waters en el verano de 1921 y a la vuelta grabó al piano junto a Bessie Smith. En 1924 ya tenía una gran fama como músico y se atrevió a dar el paso de formar una banda estable. Así surgió la "Fletcher Henderson Orchestra" cuyos primeros solistas fueron: Joe Smith a la corneta, Don Redman al saxo alto, y un joven llamado Coleman Hawkins al saxo tenor. Un pequeño contrato con el club Alabam facilitó el arranque de la orquesta. En 1924, Henderson consiguió un contrato importante en el célebre "Roseland Ballroom". Sus propietarios olieron el creciente interés del publico por la nueva música negra que empezaba a germinar.
Fletcher Henderson hizo venir de Chicago a Louis Armstrong, que en aquel tiempo solo era un joven cornetista que había tocado con la banda del maestro King Oliver. Louis Armstrong sólo permanecería con Henderson hasta finales de 1925, pero seria tiempo suficiente para revolucionar el concepto musical de Henderson.
El cerebro de la orquesta era Don Redman, un músico que desarrolló por primera vez conceptos fundamentales para las big bands como la orquestación por secciones, al dividir las líneas melódicas entre los metales y las maderas. No menos importante fue su trabajo sobre el concepto de riff y el posterior establecimiento de lo que seria la formación básica de una Big Band: 3 trompetas, 2 trombones, 4 maderas (saxofones/clarinetes) y la sección rítmica con piano, guitarra (o banjo) contrabajo (o tuba) y batería. Con Redman y Armstrong, la orquesta de Fletcher Henderson, se convirtió en la primera big band importante de la historia.
En 1927, la orquesta ya no contaba con Armstrong y Redman abandonó la orquesta para irse con la orquesta "McKinney's Cotton Pickers" de Detroit. Un fatal accidente de coche de Henderson afectó el desarrollo de la orquesta de tal manera que se vio obligado a disolverla temporalmente.
En 1928 un contrato en el club "Connie's" de New York permitió a Fletcher, reagrupar a algunos de su músicos y reconstruir la orquesta. Así permaneció, entre aciertos y errores hasta 1933, año en que se produce una revitalización de la misma con la incorporación del trompetista, Henry "Red" Allen y el trombonista Dickie Wells.
En aquella época, la orquesta ofrece un claro anticipo de lo que, años después, estallará con el nombre de Swing. En el invierno de 1934, la banda vuelve a disolverse por problemas económicos y por la marcha del saxofonista estrella Coleman Hawkins hacia Europa. Henderson trabajó como arreglista en la orquesta de Benny Goodman.
En 1936, Henderson volvió a organizar un potente grupo con figuras como Chu Berry al saxo tenor, Roy Eldridge a la trompeta y Sid Catlett a la batería. Con esta formación logró mayores logros comerciales pero una vez más no supo rentabilizar el éxito.
Durante la década de 1940 reorganizó su big band para tocar en los salones Roseland y Savoy en ciertas ocasiones. En 1939 trabajó como arreglista para la Big Band de Benny Goodman y volvió a hacerlo por un breve período de tiempo en 1947. De nuevo realizó una gira con Ethel Waters durante 1948-1949. En 1950 formó un sexteto de jazz.
Fletcher Henderson, murió en medio del desinterés general por su música. Paradójicamente, la más importante recopilación discográfica hecha sobre la obra de Henderson se titula "Un estudio sobre la Frustración" (Columbia 1962). Sus textos describen la trayectoria musical y vital de un músico que fue catalizador de hallazgos fundamentales en la evolución de la Big Band, pero que fue incapaz de rentabilizarlos a lo largo de toda su carrera. Sus composiciones, su música, y sus arreglos contribuyeron al éxito de Benny Goodman, coronado entonces por el publico y la critica como "El rey del swing" mientras que él se veía incapaz de mantener económicamente a su propia orquesta.
Ese mismo año se traslada a New York para terminar sus estudios de química y una vez allí, conseguir trabajo como químico. Sin embargo, debido al hecho de ser de raza negra no consigue trabajo y comienza a trabajar como músico en un barco del río Hudson. Finalmente consigue un empleo en la editorial de música "Pace Handy Music Company" y acaba siendo el director musical de la compañía "Black Swan".
Realizó una gira con la cantante Ethel Waters en el verano de 1921 y a la vuelta grabó al piano junto a Bessie Smith. En 1924 ya tenía una gran fama como músico y se atrevió a dar el paso de formar una banda estable. Así surgió la "Fletcher Henderson Orchestra" cuyos primeros solistas fueron: Joe Smith a la corneta, Don Redman al saxo alto, y un joven llamado Coleman Hawkins al saxo tenor. Un pequeño contrato con el club Alabam facilitó el arranque de la orquesta. En 1924, Henderson consiguió un contrato importante en el célebre "Roseland Ballroom". Sus propietarios olieron el creciente interés del publico por la nueva música negra que empezaba a germinar.
Fletcher Henderson hizo venir de Chicago a Louis Armstrong, que en aquel tiempo solo era un joven cornetista que había tocado con la banda del maestro King Oliver. Louis Armstrong sólo permanecería con Henderson hasta finales de 1925, pero seria tiempo suficiente para revolucionar el concepto musical de Henderson.
El cerebro de la orquesta era Don Redman, un músico que desarrolló por primera vez conceptos fundamentales para las big bands como la orquestación por secciones, al dividir las líneas melódicas entre los metales y las maderas. No menos importante fue su trabajo sobre el concepto de riff y el posterior establecimiento de lo que seria la formación básica de una Big Band: 3 trompetas, 2 trombones, 4 maderas (saxofones/clarinetes) y la sección rítmica con piano, guitarra (o banjo) contrabajo (o tuba) y batería. Con Redman y Armstrong, la orquesta de Fletcher Henderson, se convirtió en la primera big band importante de la historia.
En 1927, la orquesta ya no contaba con Armstrong y Redman abandonó la orquesta para irse con la orquesta "McKinney's Cotton Pickers" de Detroit. Un fatal accidente de coche de Henderson afectó el desarrollo de la orquesta de tal manera que se vio obligado a disolverla temporalmente.
En 1928 un contrato en el club "Connie's" de New York permitió a Fletcher, reagrupar a algunos de su músicos y reconstruir la orquesta. Así permaneció, entre aciertos y errores hasta 1933, año en que se produce una revitalización de la misma con la incorporación del trompetista, Henry "Red" Allen y el trombonista Dickie Wells.
En aquella época, la orquesta ofrece un claro anticipo de lo que, años después, estallará con el nombre de Swing. En el invierno de 1934, la banda vuelve a disolverse por problemas económicos y por la marcha del saxofonista estrella Coleman Hawkins hacia Europa. Henderson trabajó como arreglista en la orquesta de Benny Goodman.
En 1936, Henderson volvió a organizar un potente grupo con figuras como Chu Berry al saxo tenor, Roy Eldridge a la trompeta y Sid Catlett a la batería. Con esta formación logró mayores logros comerciales pero una vez más no supo rentabilizar el éxito.
Durante la década de 1940 reorganizó su big band para tocar en los salones Roseland y Savoy en ciertas ocasiones. En 1939 trabajó como arreglista para la Big Band de Benny Goodman y volvió a hacerlo por un breve período de tiempo en 1947. De nuevo realizó una gira con Ethel Waters durante 1948-1949. En 1950 formó un sexteto de jazz.
Fletcher Henderson, murió en medio del desinterés general por su música. Paradójicamente, la más importante recopilación discográfica hecha sobre la obra de Henderson se titula "Un estudio sobre la Frustración" (Columbia 1962). Sus textos describen la trayectoria musical y vital de un músico que fue catalizador de hallazgos fundamentales en la evolución de la Big Band, pero que fue incapaz de rentabilizarlos a lo largo de toda su carrera. Sus composiciones, su música, y sus arreglos contribuyeron al éxito de Benny Goodman, coronado entonces por el publico y la critica como "El rey del swing" mientras que él se veía incapaz de mantener económicamente a su propia orquesta.
Buddy Bolden
Lo conocían como "King" Bolden, y era un hombre con clásicos rasgos de negro "criollo" de Nueva Orleans, y procedía del distrito negro de esta ciudad americana. La vida de Bolden continúa envuelta en leyendas que lo hacen aún más fascinante. Con graves problemas de alcoholismo y mentales (era esquizofrénico), mujeriego, de carácter violento y fanfarrón, era un peluquero que de día cortaba y afeitaba a sus clientes y al anochecer prestaba sus servicios como músico en ceremonias, picnics, fiestas y bailes íntimos, o en sitios tan dispares como en entierros o en los vapores del Mississipi. Aquellas actauciones le hicieron conocido como la mejor corneta de toda Nueva Orleans y quien más magistralmente tocaba el blues.
La conducta excéntrica de Bolden, sus problemas con la justicia (fue detenido y encarcelado el día del trabajo de 1906) y su adicción al alcohol le provocaron un agravamiento de su trastorno mental que lo llevó a ser ingresado por su familia durante 1907 en un hospital para enfermos mentales en Jackson (Louisiana) donde permaneció hasta su muerte en 1931.
La leyenda de Buddy Bolden incrementa por el hecho de no haber ninguna grabación disponible de su música, y aunque sí que llegó a realizar grabaciones, ninguna de ellas ha sobrevivido.
La conducta excéntrica de Bolden, sus problemas con la justicia (fue detenido y encarcelado el día del trabajo de 1906) y su adicción al alcohol le provocaron un agravamiento de su trastorno mental que lo llevó a ser ingresado por su familia durante 1907 en un hospital para enfermos mentales en Jackson (Louisiana) donde permaneció hasta su muerte en 1931.
La leyenda de Buddy Bolden incrementa por el hecho de no haber ninguna grabación disponible de su música, y aunque sí que llegó a realizar grabaciones, ninguna de ellas ha sobrevivido.
Jelly Roll Morton
Ferdinand Joseph LaMenthe, más conocido como "Jelly Roll Morton", fue un pianista, compositor y cantante norteamericano nacido, probablemente, el 20 de septiembre de 1885 en Gulfport, Louisiana, según la historiografía convencional, y fallecido en Los Angeles, California, el 10 de julio de 1941. No obstante, algunos autores estiman que nació en Nueva Orleans, el día 20 de octubre de 1890, y que su nombre familiar era LaMothe y no LaMenthe. Morton pertenecía a la pequeña burguesía de los criollos de Nueva Orleans, donde se educó, y se presentó a sí mismo como el inventor del jazz en una carta enviada a la revista Down beat, en 1938.
Dedicado a la música desde niño, a partir de 1902 se convierte en una de las figuras señeras de los lupanares de moda de la ciudad y desarrolló desde entonces una carrera musical caótica y una vida desordenada que, sin embargo, no influyeron en su talento. En 1920 lo encontramos en Chicago y, al año siguiente, en Nueva York. Jugador empedernido, entre 1912 y 1922 recorre toda América del Norte cantando y tocando el piano. Ese año vuelve a Chicago y forma una banda, grabando sus primeros registros en solitario o junto a King Oliver. Será entre 1926 y 1930 cuando alcance el cénit de su éxito, junto a sus Red Hot Peppers, que incluían a Kid Ory, Johnny Dodds, John Saint-Cyr, Red Allen, Babby Dodds y otros músicos muy vinculados al estilo Nueva Orleans.
Dedicado a la música desde niño, a partir de 1902 se convierte en una de las figuras señeras de los lupanares de moda de la ciudad y desarrolló desde entonces una carrera musical caótica y una vida desordenada que, sin embargo, no influyeron en su talento. En 1920 lo encontramos en Chicago y, al año siguiente, en Nueva York. Jugador empedernido, entre 1912 y 1922 recorre toda América del Norte cantando y tocando el piano. Ese año vuelve a Chicago y forma una banda, grabando sus primeros registros en solitario o junto a King Oliver. Será entre 1926 y 1930 cuando alcance el cénit de su éxito, junto a sus Red Hot Peppers, que incluían a Kid Ory, Johnny Dodds, John Saint-Cyr, Red Allen, Babby Dodds y otros músicos muy vinculados al estilo Nueva Orleans.
Freddie Keppard
Freddie Keppard (Nueva Orleáns, 27 de febrero de 1890 - Chicago, 15 de julio de 1933) fue un cornetista estadounidense de jazz. Se trata de uno de los pioneros del jazz, que llegó a ser proclamado, tras la muerte de Buddy Bolden, como el rey de la corneta.
Con un hermano también músico (Louis, que tocaba la guitarra y la tuba), Freddie, después de probar con varios instrumentos, se decidió por la corneta y así ya a comienzos del siglo XX tocaba en la orquesta de John Brown. En 1906 se convirtió en el líder de la Olympia Band, orquesta que quedó disuelta cuando se trasladó a Los Ángeles en 1914.
Se une a la Original Creole Orchestra y realiza varias giras por todo el país; en 1916, dos años antes de disolverse, la orquesta tiene la oportunidad de realizar la primera grabación de una banda de jazz, aunque Keppard renuncia, por miedo a que su estilo sea copiado.
En 1918 establece su residencia en Chicago y toca en una orquesta con Erskine Tate y Jimmie Noone, aunque progresivamente su salud va empeorando, debido, en parte, a su afición a la bebida.
Con un hermano también músico (Louis, que tocaba la guitarra y la tuba), Freddie, después de probar con varios instrumentos, se decidió por la corneta y así ya a comienzos del siglo XX tocaba en la orquesta de John Brown. En 1906 se convirtió en el líder de la Olympia Band, orquesta que quedó disuelta cuando se trasladó a Los Ángeles en 1914.
Se une a la Original Creole Orchestra y realiza varias giras por todo el país; en 1916, dos años antes de disolverse, la orquesta tiene la oportunidad de realizar la primera grabación de una banda de jazz, aunque Keppard renuncia, por miedo a que su estilo sea copiado.
En 1918 establece su residencia en Chicago y toca en una orquesta con Erskine Tate y Jimmie Noone, aunque progresivamente su salud va empeorando, debido, en parte, a su afición a la bebida.
King Oliver
Joe "King" Oliver fue un cornetista y trompetista norteamericano de jazz de comienzos del siglo XX.
Fue apodado con el sobrenombre de "King" ("Rey" en inglés). El nombre de "King" Oliver es más conocido entre los amantes del jazz que su propia música, debido principalmente a que Louis Armstrong nunca se cansó de hablar de sus primeros días y de la influencia que Oliver había tenido en el lanzamiento de su carrera, y a que la mejor música de Oliver se grabó hace mucho tiempo y con una tecnología que dificulta escuchar sus discos.
Enlace a Wikipedia
Fue apodado con el sobrenombre de "King" ("Rey" en inglés). El nombre de "King" Oliver es más conocido entre los amantes del jazz que su propia música, debido principalmente a que Louis Armstrong nunca se cansó de hablar de sus primeros días y de la influencia que Oliver había tenido en el lanzamiento de su carrera, y a que la mejor música de Oliver se grabó hace mucho tiempo y con una tecnología que dificulta escuchar sus discos.
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Original Dixieland Band
La palabra jazz, referida a un género musical, aparece escrita por primera vez el 6 de marzo de 1913 en el periódico San Francisco Bulletin, cuando, al reseñar el tipo de música ejecutada por una orquesta del ejército, señaló que sus integrantes entrenaban a ritmo de ragtime y jazz.[1] En estos primeros años, la forma del nombre oscila entre jaz, jas, jass, jasz o jascz, y, según Walter Kingsley, colaborador del New York Sun, "el término es de origen africano, común en la Costa del Oro africana y en las tierras del interior".[2] No obstante, puede que fuese un término originario del minstrel o del vodevil, o incluso del mundo árabe. Varios autores han subrayado también su relación con el acto sexual en el argot norteamericano.
El primer disco en el que apareció la palabra jazz como definidora de la música en él contenida lo grabó la Original Dixieland Band en enero de 1917 en Nueva York; durante ese año, además, se popularizaría el término, que probablemente había sido ya de uso común en la lengua oral entre 1913 y 1915.
Original Dixieland Jazz Band-1918
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El primer disco en el que apareció la palabra jazz como definidora de la música en él contenida lo grabó la Original Dixieland Band en enero de 1917 en Nueva York; durante ese año, además, se popularizaría el término, que probablemente había sido ya de uso común en la lengua oral entre 1913 y 1915.
Original Dixieland Jazz Band-1918
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martes, 16 de marzo de 2010
The Modern Jazz Quartet
The Modern Jazz Quartet (abreviado como MJQ) es un grupo musical estadounidense de jazz que desarrolló su carrera entre 1952 y 1993. Representante del estilo cool y vinculado a la Third Stream, sus componentes originales fueron Milt Jackson (vibráfono), John Lewis (piano y director musical), Percy Heath (bajo) y Kenny Clarke (batería); Connie Kay reemplazó a Clarke en 1955.
Aunque hizo diversas incursiones en la música clásica, pronto el repertorio del grupo se centró en el bop y el swing. Entre las composiciones originales de la banda están "Django" de Lewis (un homenaje a Django Reinhardt), "Afternoon In Paris", también de Lewis y "Bags' Groove" de Jackson (Bags era su apodo).
El grupo firmó en primer lugar con Prestige Records y después, en los cincuenta, con Atlantic Records. A finales de los sesenta, en medio de dos etapas con Atlantic, firmaron con Apple Records, el sello de the Beatles (constituyendo el único grupo de jazz de la discográfica), y realizaron dos discos, Under the Jasmine Tree (1967) y Space (1969).
Jackson abandonó el grupo en 1974 en parte porque buscaba un estilo más libre de tocar y en parte porque entendía que sus ingresos económicos eran escasos (comparándose con las estrellas del rock and roll). El grupo se disolvió y se reorganizó más tarde en 1981 para tocar en festivales y más tarde en un periodo de seis meses al año. La última grabación del grupo se realizó en 1993.
Aunque hizo diversas incursiones en la música clásica, pronto el repertorio del grupo se centró en el bop y el swing. Entre las composiciones originales de la banda están "Django" de Lewis (un homenaje a Django Reinhardt), "Afternoon In Paris", también de Lewis y "Bags' Groove" de Jackson (Bags era su apodo).
El grupo firmó en primer lugar con Prestige Records y después, en los cincuenta, con Atlantic Records. A finales de los sesenta, en medio de dos etapas con Atlantic, firmaron con Apple Records, el sello de the Beatles (constituyendo el único grupo de jazz de la discográfica), y realizaron dos discos, Under the Jasmine Tree (1967) y Space (1969).
Jackson abandonó el grupo en 1974 en parte porque buscaba un estilo más libre de tocar y en parte porque entendía que sus ingresos económicos eran escasos (comparándose con las estrellas del rock and roll). El grupo se disolvió y se reorganizó más tarde en 1981 para tocar en festivales y más tarde en un periodo de seis meses al año. La última grabación del grupo se realizó en 1993.
sábado, 13 de marzo de 2010
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